Por ejemplo en Fotografía, como podemos ver en los siguientes ejemplos:
dissabte, 8 de gener del 2011
8. El op art también se ha utilizado en otras disciplinas
7. En publicidad también se ha usado el OP ART
La mayoría de anuncios que se han hecho haciendo uso del op art són en gráfica, como podemos ver en los ejemplos siguientes:
Una de las campañas más actuales y famosas que se han relaizado haciendo uso del op art (el arte que eng´ña al ojo) fue la campaña de Sony, para anunciar su gama de televisores: Sony Bravia.
El copy: "It’s fixed but it moves. Double Effect
http://mischiefco.blogspot.com/2010_08_01_archive.html
También encontramos algunas marcas como Motorola que ha hecho uso de este tipo de arte en lo denominado actualmente, como street marketing:
divendres, 7 de gener del 2011
6. TIPOGRAFÍA REFERENTE AL ESTILO
Pista
Esta tipografía se puede aplicar a webs e impresión, principalmente para revistas, folletos, carteles y gráficos en movimiento. Tiene 6 series: normal, negrita, el contorno redondeado, el esquema redondeado y la redonda. A nuestro modo de ver es una tipografía útil para logotipos. Destacaríamos de ella su elegancia y la sensación que provoca es única.
Virma
Esta tipografía fue utilizada para el restyling de MTV.IT. Utiliza unas lineas básicas y sin modulación. Ofrece la posibilidad de unir la parte vertical con la horizontal, simulando la escritura o un tipo de letra script. El diseño data del año 2003. Optica Normal
Óptica Normal
Óptica Normal
Opticum
Estas fuentes de la familia opticum esconden un laberinto de letras en su interior. El nivel de dificultad en cuanto a la legibilidad va en aumento siendo la Three la más ilegible. Los textos creados con esta fuente logran un doble impacto llamar la atención y mantenerla. Esta tipografia fue diseñada por Erken Kagarov.
Flagstaff
Esta fuente está inspirada en el estilo artístico del Op Art muy popular en los EEUU durante los años 1960-70. Fue utilizada por numerosas casas de fotografías.
Cartel tipográfico Op Art
Cartel tipográfico Op Art
Éste fue creado por Lance Wyman reconocido diseñador americano y junto con la gráfica del Metro de Méjico DF son sus creaciones más representativas.
Su educación se inició en el Pratt Institute en Brooklyn para seguidamente proseguir en Méjico.
El logo de méjico apareció en toda clase de artículos: lápices, ropa, joyas de fantasía, etcétera. El símbolo de la paz, una paloma blanca al estilo del logotipo México ‘68, se imprimió en pegatinas etc.
A nuestro modo de ver Lance logró la fusión de los conceptos tradicionales mejicanos y los ideales olímpicos. Superando las barreras idiomáticas mediante la simplicidad pictográfica.
Se puede afirmar que este diseño es un hito en el diseño de logotipos.
Logos
Este logo está claramente inspirado en el estilo Op Art. Además se trata de un canal de televisión dedicado al Op Art, mostrando en él innovaciones de este arte. El logo trata de engañar al ojo segmentando la pieza pero sin llegar a perder la legibilidad intuitiva. Los colores utilizados en este caso contrastan logrando así un mayor choque visual.
Otros logotipos
Esta tipografía se puede aplicar a webs e impresión, principalmente para revistas, folletos, carteles y gráficos en movimiento. Tiene 6 series: normal, negrita, el contorno redondeado, el esquema redondeado y la redonda. A nuestro modo de ver es una tipografía útil para logotipos. Destacaríamos de ella su elegancia y la sensación que provoca es única.
Virma
Esta tipografía fue utilizada para el restyling de MTV.IT. Utiliza unas lineas básicas y sin modulación. Ofrece la posibilidad de unir la parte vertical con la horizontal, simulando la escritura o un tipo de letra script. El diseño data del año 2003. Optica Normal
Óptica Normal
Óptica Normal
Opticum
Estas fuentes de la familia opticum esconden un laberinto de letras en su interior. El nivel de dificultad en cuanto a la legibilidad va en aumento siendo la Three la más ilegible. Los textos creados con esta fuente logran un doble impacto llamar la atención y mantenerla. Esta tipografia fue diseñada por Erken Kagarov.
Flagstaff
Esta fuente está inspirada en el estilo artístico del Op Art muy popular en los EEUU durante los años 1960-70. Fue utilizada por numerosas casas de fotografías.
Cartel tipográfico Op Art
Cartel tipográfico Op Art
Éste fue creado por Lance Wyman reconocido diseñador americano y junto con la gráfica del Metro de Méjico DF son sus creaciones más representativas.
Su educación se inició en el Pratt Institute en Brooklyn para seguidamente proseguir en Méjico.
El logo de méjico apareció en toda clase de artículos: lápices, ropa, joyas de fantasía, etcétera. El símbolo de la paz, una paloma blanca al estilo del logotipo México ‘68, se imprimió en pegatinas etc.
A nuestro modo de ver Lance logró la fusión de los conceptos tradicionales mejicanos y los ideales olímpicos. Superando las barreras idiomáticas mediante la simplicidad pictográfica.
Se puede afirmar que este diseño es un hito en el diseño de logotipos.
Logos
Este logo está claramente inspirado en el estilo Op Art. Además se trata de un canal de televisión dedicado al Op Art, mostrando en él innovaciones de este arte. El logo trata de engañar al ojo segmentando la pieza pero sin llegar a perder la legibilidad intuitiva. Los colores utilizados en este caso contrastan logrando así un mayor choque visual.Otros logotipos
5. ARQUITECTURA APLICADA AL OP ART
A pesar de que la gran mayoría de artistas de Op-Art son pintores, cabe destacar que, a pesar de esto, podemos ubicar una serie de artistas que enfocaron parte de su trabajo en la arquitectura. Los artistas más destacables del Op-Art en su vertiente arquitectónica son Jesús Rafael Soto (1923-2005) y Víctor Vasarely (1908-1997), este último considerado el padre del Op-Art.
Uno de los ejemplos más claros de la arquitectura aplicada al Op-Art es la serie de Jesús Rafael Soto de ‘Los Penetrables’, una serie que consiste de múltiples obras de formas geométricas en las que, incluso en alguna de ellas, el espectador debe penetrar dentro para contemplarlas en toda su plenitud. El hecho de que el espectador tenga que adentrarse en la obra es debido a que el autor intenta demostrar que el hombre es una parte constitutiva del espacio artístico. La mayoría de los penetrables están constituidos de pequeñas barras de materiales diversos de entre 1 y 10cm de amplitud. Estas barras se van moviendo a medida que el espectador se adentra en la obra, provocándole así una sensación de movimiento continuo dentro de la pieza artística. Además, el sonido que provocan las barras chocando entre si produce una estrecha relación entre la arquitectura y la música que transmite al espectador que el propio espacio es más importante que el hombre que se encuentra dentro, ya que sin las barras chocando entre si ese sonido no se podría producir.
Otra característica de Los Penetrables es la capacidad que tienen para estimular varios sentidos del espectador, especialmente el del oído (al chocar las barras entre si) y el del tacto. A la izquierda, Escultura en Movimiento (Soto). En el museo Jesús Soto de Ciudad Bolívar también podemos contemplar dos penetrables del artista venezolano. Concretamente si vamos ahí podremos ver el Penetrable Amarillo y el Penetrable Blanco. Una característica muy clara que se aprecia entre estos dos es que, además de las diferencias de color, podemos apreciar diferencias de sonido, ya que las barras de ambos penetrables están hechos de materiales distintos. Esto hace que la sensación de dinamismo que el espectador contemple en cada penetrable sea diferente, ya que cada pieza provoca sonidos completamente distintos.
Penetrable amarillo Penetrable blanco Penetrable blanco
Y a continuación un video ilustrativo para comparar el sonido que hace este Penetrable con el del Penetrable Blanco:
http://www.youtube.com/watch?v=oAf48BenkiM&feature=player_embedded
Y un video para contrastar las diferencias de sonido entre uno y otro:
http://www.youtube.com/watch?v=-Qs6XJP1KJo&feature=player_embedded
Dentro de la serie de Los Penetrables también podemos observar multitud de figuras diferentes que se representan mediante esta técnica de hacer adentrar al espectador dentro de una multitud de barras de pequeño tamaño.
Algunos ejemplos más los podemos encontrar en las piezas de La Esfera Japón (http://www.youtube.com/watch?v=SEtYtCd4oCc&feature=related) o El Cubo Virtual Azul (http://www.youtube.com/watch?v=-NEopgPxAqk&feature=related).
En este último video donde apreciamos el Cubo Virtual Azul podemos ver la sensación de dinamismo y tridimensionalidad que se produce cuando el espectador rodea la pieza, aún sin apenas haberse adentrado en ella.
Dejando aparte a Jesús Rafael Soto, quién probablemente sea el artista que ha hecho la mayor aportación al Op-Art en su vertiente arquitectónica, también debemos considerar a Víctor Vasarely como un exponente que también debemos tener en cuenta. Se ha considerado como el padre del Op-Art y, a pesar de concentrarse esencialmente en la pintura, también nos ha dejado en su obra algunas piezas arquitectónicas que merecen ser mencionadas y que transmiten ese dinamismo y esa tridimensionalidad características de esta corriente artística. El uso de figuras geométricas es constante en su obra.
Escultura de Victor Vasarely expuesta en Hungría, su país natal.
Exterior del museo Vassarely, en Aix-en-Provence (Francia)
Maquette Nucleare (1980), de Víctor Vasarely
3. PIEZAS GRÁFICAS DE REFERÉNCIA DEL ESTILO
Victor Vassarely, considerado por muchos como el padre del Op Art. A la ciudad de París a principios de 1930 zealizó Zebra, que consideramos hoy en día la primera obra del Op Art.
Es una de sus obras más conocidas. En general su obra ha sido muchas veces aplicada a todo tipo de diseños, ropa, tatuajes, juegos de ilusión óptica ...
Éste autor se convirtió en unos de los máximos representantes de la abstracción geomérica y constructivista anterior al arte minimalista.
El autor hace un homenaje al cuadrado en su série de obras más reconocidas. Más de mil pinturas las cuales muestran conjuntos de diferentes cuadrados de diferentes colores y organizados de forma concéntrica.
Larry Poons fue el autor de ésta obra, que no tituló; el autor creó ésta obra especialmente para referirse al efecto visual conocido como “afterimage”.
Su obra se caracteriza por las formas circulares con diferentes colores vivos. Éste tipo de obra es su símbolo que marcó una generación de una forma innovadora.
Es conciderado uno de los artistas más importantes del Op Art. En su obra se investiga la manera en que se producen cambios ópticos cuando colores diferentes de gran intensidad se aplican a configuraciones geométricas similares.
2. ARTISTAS MÁS DESTACADOS DEL OP ART
Como ya hemos dicho anteriormente en el apartado de características de este movimiento artístico, el Op Art es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Para ver más claramente estos efectos ópticos, aquí tenemos algunos ejemplos.
2. 1 Entre los artistas destacan:
Antonio Lizarazu Balué (España 1963)
Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.
La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.
Asimetric Flow
Arte Digital - Digital Art
Serie: “Tacones”
Medidas: 70 x 50 cm. sobre papel fotográfico
Bridget Riley (UK, 1931)
Nacida en Londres, Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.
Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.
Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.
La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.
Algunas de sus obras más destacadas son:
Victor Vasarely (1908-1997)
Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely ( Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística:
- Intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.
- 1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos
- 1939-1948: “período menstrual” investigaciones previas al Op Art.
- 1947-1951: Desarrollo de la abstracción geométrica (arte óptico)
- 1948: “Abstracción memética”
- 1948- 1958: “Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano.
Hay 3 tipos de obras:
A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía
B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia.
C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.
1959-1964: “Folklore planetario”
1964: “homenaje al Hexágono”
Último período: “período de las series” C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados.
Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.
En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos “didácticos” Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.
El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.
Hemos visto como los artistas del Op Art utilizan los colores y patrones en sus obras para crear un efecto que desorienta al espectador. En el ámbito de la escultura, escultores como Eric Olsen y Francisco Sobrino logran un efecto similar en sus obras utilizando capas de diferentes colores.
Otros artistas que pertenecen a este estilo artístico, pero que son menos importantes que los anteriormente mencionados, son: Julio Le Parc (Argentina 1928). Nacido en la ciudad de Mendoza en 1928. Es en los 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental; Kenneth Noland (EEUU, 1924) y Heinz Mack (Suiza 1941).
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Para ver más claramente estos efectos ópticos, aquí tenemos algunos ejemplos.
2. 1 Entre los artistas destacan:
Antonio Lizarazu Balué (España 1963)
Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.
La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.
Asimetric Flow
Arte Digital - Digital Art
Serie: “Tacones”
Medidas: 70 x 50 cm. sobre papel fotográfico
Bridget Riley (UK, 1931)
Nacida en Londres, Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.
Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.
Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.
La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.
Algunas de sus obras más destacadas son:
Victor Vasarely (1908-1997)
Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely ( Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística:
- Intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.
- 1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos
- 1939-1948: “período menstrual” investigaciones previas al Op Art.
- 1947-1951: Desarrollo de la abstracción geométrica (arte óptico)
- 1948: “Abstracción memética”
- 1948- 1958: “Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano.
Hay 3 tipos de obras:
A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía
B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia.
C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.
1959-1964: “Folklore planetario”
1964: “homenaje al Hexágono”
Último período: “período de las series” C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados.
Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.
En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos “didácticos” Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.
El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.
Hemos visto como los artistas del Op Art utilizan los colores y patrones en sus obras para crear un efecto que desorienta al espectador. En el ámbito de la escultura, escultores como Eric Olsen y Francisco Sobrino logran un efecto similar en sus obras utilizando capas de diferentes colores.
Otros artistas que pertenecen a este estilo artístico, pero que son menos importantes que los anteriormente mencionados, son: Julio Le Parc (Argentina 1928). Nacido en la ciudad de Mendoza en 1928. Es en los 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental; Kenneth Noland (EEUU, 1924) y Heinz Mack (Suiza 1941).
